Petits papiers et morceaux de toiles

2010, bon cru pour le CRRAV

2011-01-07T16:23:00.000-08:00

Cannes 2010 : Last day(s)

2010-05-23T06:17:00.000-07:00

C’est l’heure de baisser le rideau pour le Festival de Cannes. Bilan de dix jours de compétitions : beaucoup de films, une sélection sans doute plus modeste que l’an dernier, des dizaines de rencontres, de crampes (puisqu’à Cannes, on attend beaucoup) et de fatigue aussi. L’heure pour ces milliers de festivaliers de réajuster leurs montres avant de replonger dans un quotidien plus pondéré.

Ce soir, donc, Charlotte Gainsbourg aura la tâche de remettre la Palme d’Or au film qui aura le plus marqué Tim Burton et son jury. Les prédispositions du cinéaste pour l’étrange et le fantastique vont-elles jouer dans le verdict ? Si tel est le cas, Tender Son, réécriture hongroise du Frankenstein de Mary Shelley ou l’oncle Boonmee du Thaïlandais Weerasethakul, plongée mystique dans l’existence d’un vieil homme malade, qui se remémore ses vies antérieures, tradition boudiste oblige pourraient séduire le cinéaste. Ce dernier regorge d’idées et de plans somptueux, mais l’ensemble des scènes manque de liant. S’il obtient la Palme, elle a des chances de rester élitiste.

Cette 63ème édition en aura pris pour son grade : aux inquiétudes climatiques, ce sont succédées l’annonce du désistement d’un réalisateur pour des problèmes de chevilles (Ridley Scott), un autre pour des problèmes « de type grec » (Jean-Luc Godard). La sélection, annoncée en escalier, jusqu’à l’annonce du film de Ken Loach (Route Irish) deux jours avant le début de la compétition a essuyé la fronde de nombreux observateurs. Des 19 films de la compétition officielle, il y aura eu de belles surprises (Another Year de Mike Leigh, une sélection française de grande qualité, de Matthieu Amalric à Rachid Bouchareb, qui signe, d’un point de vue cinématographique, un Hors la loi dont l’esthétique flirte avec le western et le film de gangsters, rythmé et bien filmé), des attentes comblées (Biutiful, Poetry) et de grands coups d’épée dans l’eau (La Nostra Vita, mélodrame forcée qui fleure bon le film de commande et Fair Game, parfait pour une soirée télé)… Pas d’effet Un prophète cette année donc. Il y avait de belles surprises du côté des sections parallèles, où certains films auraient les honneurs des marches rouges. Courez voir Les amours imaginaires, Sound of Noise, Rubber, Armadillo... à leur sortie !

Cannes 2010 : raisons et sentiments

2010-05-22T06:14:00.000-07:00

Le 63ème Festival de Cannes touche bientôt à sa fin. De l’anonyme au réalisateur, en passant par le journaliste, ils font du Festival ce joyeux barnum. Mais ne viennent pas pour les mêmes raisons.

Mais au fait, pourquoi vient-on à Cannes ? Ce n’est pas anodin, les festivaliers, unis dans le cénacle du cinéma pendant dix jours se croisent mais vivent l’évènement différemment. A l’heure où la Croisette se vide doucement, ils sont les premiers arrivés et les derniers à partir. Eux, ce sont ces anonymes, toujours sur le pied de guerre, perchés sur leurs escabeaux, à attendre, depuis sept heures du matin la montée des marches du soir et les vedettes qui fouleront le tapis rouge parfois seulement à 20h. Force et ténacité qu’ont aussi Camille, Alain et beaucoup d’autres, qui attendent patiemment, pancarte à la main, qu’une bonne âme leur cède une invitation pour assister à la projection du soir. Et certains rivalisent d’ingéniosité pour décrocher le précieux sésame : du « futur trader » en smoking insistant pour voir Wall Street : L’argent ne dort jamais et ainsi apprendre le métier.

Cannes, pour ces anonymes, ça sert d’abord à, « voir des films avant tout le monde », « monter les marches » et « voir des stars ». Côté pool photographes, en salle de presse du Festival, c’est la déception. Une mauvaise année. « Franchement, à part Michael Douglas, tu vois qui ? Naomi Watts ? Et encore… Cette année, on n’a vu que des anciens de télé réalité sur le tapis rouge ». Pour gagner sa croute, le photographe fait cette année des heures supp’ aux soirées pour apercevoir ceux et celles qui se déplaceront pour la vie nocturne autrement que pour le cinéma. Qu’on se rassure, la raison d’être du Festival déplace encore les foules. Pour beaucoup, Cannes, sert aussi à faire du business, prendre des contacts, vendre son scénario, au propre comme au figuré, parfois au culot comme Raphaël, scénariste et directeur d’une boîte de production niçoise, La dame verte, qui « accroche » le chroniqueur Eric Naulleau dans un couloir du palais des Festivals. « Vous vous souvenez de moi, on s’était vu l’an dernier ? Je vous avais parlé d’un scénario, j’ai écrit un rôle pour vous, je peux vous l’envoyer ? ». Beau joueur le journaliste donne ses contacts. Et c’est un de plus pour Raphaël, qui enchaîne les rendez-vous depuis le début de la semaine au Marché du Film. « On n’a presque pas pu voir de films, mais on se rattrape demain !».

Cannes, c’est aussi le moyen pour des distributeurs et exploitants « infiltrés » de dénicher la perle rare, mettre la mains sur un film qui bénéficie d’un bon buzz, où même les attachés de presse sont mis à contribution, comme chez Europa Corp, le studio de Luc Besson. Cannes s’est forgé un rayonnement international, qui pousse des professionnels à se rendre au Marché du Film, plaque tournante privilégiée pour les affaires, jusqu’aux journalistes internationaux, comme Patrick Mc Carney, venu de Los Angeles pour rendre compte, pour la première fois, du Festival à son journal. Pourquoi Cannes ? « Tout le monde dit que c’est le plus grand ». Et il n’est pas déçu, « même si on m’a dit que la sélection était meilleure l’année dernière ». D’autres voient dans les déceptions de la sélection, un tournant pour le Festival, trop « starisé ». Il faut, écrit le quotidien Le Monde, « revenir au cinéma ». C’est aussi ça Cannes, faire le jeu des pronostics, de rumeurs aussi vaines que folles… jusqu’à l’année prochaine !

Jonathan Blanchet

Etudiant et sélectionné à Cannes

2010-05-19T06:22:00.000-07:00

Benjamin Naishtat, étudiant au Fresnoy, à Tourcoing, près de Lille, fait partie des treize réalisateurs internationaux dont le film a été retenu à la Cinéfondation, section du Festival de Cannes créée par son président, Gilles Jacob.

Les flashs crépitent salle Buñuel, au cinquième étage du Palais des Festivals de Cannes. Ce 19 mai a lieu l’ouverture de la Cinéfondation, section parallèle créée par Gilles Jacob, Président du Festival pour « promouvoir de nouvelles formes de cinéma » et donner leur chance à de jeunes réalisateurs du monde entier. L’évènement a des allures de remise de diplômes à l’américaine. Ils sont treize cette année et parmi les deux français dont les films ont été sélectionnés figure Benjamin Naishtat, étudiant au Fresnoy, à Tourcoing, près de Lille. Légèrement tendu, le jeune homme s’avance sur l’estrade, précise que « les silences des premières secondes sont voulues » et déjà les lumières s’éteignent. Son film, « El Juego », tourné dans son pays natal, l’Argentine, montre des groupes de gens déambulant dans la jungle, armés et fagotés comme des commandos. Une référence que le jeune homme a voulu « aux jeux de guerres, ces stages que l’on fait parfois dans les entreprises pour s’endurcir », le tout sur fond politique. Au premier visionnage, on pense à Predator, à Délivrance (influences que le réalisateur revendique d’ailleurs lui-même, ou à travers ses personnages). Passée la projection, il affiche une moue légère : « Il y a eu des problèmes de cadrage », mais les dés sont jetés, le film a été projeté au jury, présidé par Atom Egoyan (le réalisateur de Ararat ou Chloé) , les comédiennes Emmanuelle Devos et Dinara Droukarova , et les réalisateurs Carlos Diegues et Marc Recha . Le film primé sera quant à lui projeté à la fin de la quinzaine. Réactions à chaud après la projection.

C’est la première fois que vous venez à Cannes. Quel est votre parcours de réalisateur jusque là ?

J’ai mené des études de cinéma en Argentine et j’habite à Lille depuis un an, depuis que je suis rentré au Fresnoy, qui a produit mon film à 70%. On m’avait beaucoup parlé du Fresnoy que j’ai intégré pour faire ce film ; j’avais d’ailleurs présenté une version du scénario lors du concours d’entrée. Le tournage s’est achevé il y a juste trois mois. Un professeur, qui avait aimé une première version, l’avait soumise au Festival de Cannes. Quand j’ai appris qu’il avait été retenu en sélection, j’ai monté le film en dix heures !

Comment vous est venue l’idée du film ?

Je voulais faire un film qui parle de ces « jeux », ces stages pour vous endurcir qu’on propose parfois dans les entreprises. L’idée était de montrer la façon dont les uns dominent les autres, en y apposant ma vision politique de mon pays : il y a eu toute une série de coups d’Etat en Argentine, une telle violence dans les institutions. Je voulais faire ressortir cette idée, mais le film reste ouvert à l’interprétation des spectateurs.

Quelles sont vos influences en tant que réalisateur ?

Pour ce film, je me suis beaucoup inspiré de John Boorman, surtout de Délivrance, (où quatre jeunes se mesurent aux forces de la nature), des films de Michael Haneke (Palme d’Or l’an dernier avec Le ruban Blanc) dans sa façon d’étaler les dialogues, de laisser s’installer les tensions.

Comment avez-vous choisi vos acteurs ?

Ce ne sont pas des acteurs ! Ce sont tous des connaissances, des gens rencontrés par hasard. Je trouve beaucoup plus enrichissant de travailler avec quelqu’un dont ce n’est pas le métier. Pourquoi faire mentir un acteur alors que quelqu’un de spontané peut dire la vérité. Alors bien sûr, cela peut poser problème sur le tournage, on ne sait pas trop à quoi s’attendre sur le moment. C’est un défi, je dois m’adapter à leurs personnalités. Dans le film, l’unique scène où ils sont tous rassemblés, (un repas qui tourne au règlement de comptes politiques, NDLR) a mis deux jours pour être en boîte. Il a fallu attendre que tout le monde soit bien fatigué pour capter l’atmosphère que je voulais faire passer !

Et maintenant, après une première sélection à Cannes en plein cursus, quels sont vos projets ?

Cannes, c’était un rêve, même si c’est difficile de s’y faire des contacts. Dans le cadre du Fresnoy, j’aimerais réaliser un projet expérimental autour de fausses archives de la conquête de la Patagonie au XIXème siècle. Un projet de fiction aussi, on verra…

« El juego », film sélectionné à la Cinéfondation du Festival de Cannes, sera projeté dans le cadre du « Panorama », œuvre qui regroupe l’ensemble des étudiants du Fresnoy, le 4 juin prochain.

Tim Burton : "Alice était insupportable"

2010-04-05T03:30:00.000-07:00

Son univers était taillé pour le metteur en scène poète et gothique. Tim Burton dépoussière aujourd'hui le conte de Lewis Carroll, plaçant son Alice à contrecourant des adaptations précédentes. Elle a aujourd'hui 19 ans et est promise à un lord anglais aux manières peu ragoûtantes. Elle a tout oublié de sa précédente incursion dans le terrier du lapin blanc, mais lui, toujours en retard, fait irruption au beau milieu de la cérémonie pour la ramener à Wonderland. « Son » Alice, femme-enfant incarnée par une presque-inconnue, Mia Wasikowska, est nettement plus opiniâtre que son jeune modèle. « Je n'ai jamais aimé les versions précédentes » explique Burton. « Le personnage de Lewis Carroll me paraissait représentés de façon trop stricte. Il y a eu 28 versions d'Alice au cinéma et à chaque fois, Alice était insupportable, en s'étonnant bêtement d'une suite de rencontres avec des personnages bizarres. Il n'y avait pas d'âme, pas de fondement ».

Dans la version labellisée Burton, Alice se voit immédiatement attribuer une quête, atténuant l'effet de surprise lié au rêve de l'original. Burton ratisse large dans l'imaginaire fantastique. Alice y est fagotée en guerrière chevaleresque et de nouveaux personnages font leur apparition, nspirés des poèmes de Carroll lui-même comme le dragon Jabberwocky. « J'ai connu le personnage d'Alice à travers des chansons, une imagerie populaire. Ce qui m'interpellait, c'était à quel point cette imagerie faisait entièrement partie de la culture, du langage avec des expressions comme « fou comme un chapelier ». J’ai voulu , que la fantaisie soit utile pour explorer la réalité du monde ». Une réalité auquel le cinéaste sera confronté en tant que président du jury du prochain Festival de Cannes. « J'ai été pendant des années dans un vide cinématographique,enfermé à faire mes films. Ce sera l'occasion de me reconnecter avec le cinéma ».

Alice au Pays des Merveilles. Un film de Tim Burton. Avec Mia Wasikowska, Johnny Depp, Helena Bonham Carter… Durée : 1h49.

Jonathan Blanchet
Photo : Disney France (c)

L'île mystérieuse

2010-02-26T03:42:00.000-08:00

Impossible n’est pas Scorsese. Après Les Infiltrés, son très inégal film de gangsters et son portrait scénique déroutant des Rolling Stones, le réalisateur de Taxi Driver adapte un roman de
Dennis Lehane, à qui l’on doit notamment le ténébreux Mystic River, magnifié à l’écran par un certain Clint Eastwood. Avec un réalisateur de la trempe de Scorsese aux commandes, les thuriféraires de l’oeuvre et les détracteurs des adaptations en tout genre peuvent dormir tranquilles.

Shutter Island ne se dépare pas du climat pesant qui entoure l’oeuvre de l’auteur, décrivant l’enquête de deux Marshals américains dans les années 50. Amenés à se rendre sur Shutter Island, île paria où se dresse un hôpital psychiatrique, pour enquêter sur une disparition, les deux hommes vont découvrir certaines choses qui dépassent l’entendement…

Tout au long du film, Scorsese maintient cette ambiance pesante, sans recourir au moindre artifice, tout en le marquant de son style très personnel. Rendant hommage aux cadres hitchcockiens dans cette île qui évoque l’île aux corbeaux des Oiseaux, il s’attache aux turpitudes du héros (incarné par un Leonardo DiCaprio, qui se bonifie avec le temps) qui ne vous lâcheront
pas. C’est même à cela que l’on reconnaît un grand film. J.B

Shutter Island. Film américain de Martin Scorsese. Avec Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley. Durée : 2h17.

Lovely Bones : la critique

2010-02-21T05:49:00.000-08:00

La vie de la famille Salmon va basculer le jour où la jeune Susie, disparaît sans laisser de traces. Son père refuse d’admettre son décès. Dans un bourg en apparence tranquille, qui aurait pu commettre l'irréparable ? En réalité prisonnière d'un imaginaire entre la vie et la mort, Susie observe les conséquences de sa disparition et tente d'amener ses proches à découvrir la vérité... Peter Jackson, en grand faiseur de chimères, s'attaque au roman d'Alice Sebold, La nostalgie de l'ange, avec toute la légitimité qu’il a su acquérir au fil de sa filmographie.

Le film, comme le roman se construit autour d'un double point de vue. Aux échappées oniriques et chatoyantes de Susie, le réalisateur du Seigneur des Anneaux superpose l'existence des vivants : l’obsession du père et la folie du meurtrier, -dont la révélation de son identité ne constitue pas le noeud de l'intrigue, celle-ci étant dévoilée dès les premières minutes du film-. Jackson oeuvre donc en terrain connu, l'histoire de cette fillette, errant entre le monde des vivants et des morts n'étant pas sans rappeler les mondes imaginaires que se façonnaient ses héroïnes de Créatures célestes. Visuellement le passage d'un univers à l'autre se traduit par l'alternance d' ambiances chatoyantes et sucrées, avec une réalité plus sombre, qui rappelle le travail de Tim Burton sur Big Fish. Mais le conteur Jackson, en hésitant à privilégier réalité et imaginaire sans vraiment en lier les évènements risque de perdre quelques spectateurs en route. Une jolie fable, tissé de métaphores mais qui manque d'un véritable point de vue.

Jonathan Blanchet

Film néo-zélandais de Peter Jackson. Avec Saoirse Ronan, Mark Wahlberg. 2h08.

La princesse et la grenouille

2010-01-28T03:55:00.000-08:00

On pensait les contes de fées passés de mode chez Disney. La princesse et la grenouille vient pourtant prouver que l’esprit traditionnel et enchanteur du studio n’a rien perdu de sa superbe, tout en puisant dans des influences modernes. Dans les années 1920, en Nouvelle Orléans, deux enfants rêvent d’avenir. Charlotte, jeune fille bien née se voit déjà épouser un prince. Tiana vit modestement et rêve d’ouvrir un restaurant avec son père. Devenue serveuse, celle-ci se voit chargée d’organiser un buffet pour son amie d’enfance : le prince Naveen, de passage en ville, cherche une épouse. C’était sans compter sur l'avidité d’un sorcier vaudou qui transforme Naveen en crapaud pour mieux prendre sa place. Le prince persuade Tiana de l’embrasser pour briser le sortilège… Malheureusement, rien ne se passe comme prévu…

Ironiquement, c’est John Lasseter, pilier des studios Pixar et grand manitou des films en 3D (Toy Story) qui a pris les rennes de ce long métrage animé à la force du crayon. Son énergie créatrice n’est sans doute pas étrangère à la réussite du film, hommage à l’âge d’or du studio à la souris. Tout ce qui faisait le sel des grands classiques y trouve sa place (ou presque) : une histoire d’amour, un sorcier machiavélique et une succession de rencontres avec des acolytes toujours plus pittoresques. A quelques détails près : l’héroïne est afro-américaine et le prince a un sacré tempérament machiste. Une petite douceur très actuelle enrobée d’un grand tour de chants qui manque pour sa part d’un peu de souffle, mais dont les accents jazzy dépaysants achèveront de vous transporter.

Jonathan Blanchet

Quand les créateurs de Bambi et de Cendrillon reviennent aux fondamentaux sans tomber dans la désuétude, cela donne La Princesse et la Grenouille, qui a su conserver la fraîcheur de nos premiers frissons cinématographiques. Un vrai et grand Disney.

Terreur et frissons donnent un cinéma fantastique

2010-01-27T05:56:00.000-08:00

Du 27 au 31 janvier, la commune de Gérardmer accueille la 17e édition de son Festival du film fantastique, qui a rapidement gagné l’estime du métier. John Mc Tiernan (Predator, Die Hard) prend cette année la présidence du jury. Un événement pour un festival de qualité qui met chaque année les bouchées doubles pour attirer les néophytes.

Dossier paru dans "100% Vosges" du 14/01/10. A lire en cliquant sur ce lien : http://www.centpourcent-vosges.fr/pdf/100p100_14_1_2010.pdf

CASPER : pari sur les séries d'animation

2010-01-06T12:29:00.000-08:00

Le ruban blanc : la critique

2009-10-21T04:17:00.000-07:00

Ce fut l’une des surprises du dernier Festival de Cannes : de par son sujet (un décryptage des origines de l’extrémisme dans un village apparemment sans histoires) et par la palme qui en résulta ensuite. La polémique passée, il reste que le film possède d’indéniables qualités. Avec justement des commérages, dans une Allemagne rurale à l’aube du premier conflit mondial.

En 1914, des évènements troublants agitent un petit village allemand. Le jeune instituteur de l’époque raconte. D’abord, le médecin du village fait une chute de cheval. Bien vite, on s’aperçoit que cela n’a rien d’un concours de circonstances : quelques mois plus tard, s’ensuivent une série d’actes malveillants. Le fils d’un notable est retrouvé molesté par les enfants du village avant qu’un garçonnet handicapé ne fasse les frais de sa différence. Le ruban blanc du titre, c’est le symbole d’innocence et de pureté qu’on noue dans le film au poignet des enfants pour qu’ils se repentent de leurs fautes. Des enfants au visage angélique mais à l’œil pernicieux que Haneke semble sortir du Village des Damnés où un groupe de blondinets venus d’ailleurs semait le trouble dans une petite ville. Si l’enfant est coupable de cruauté envers les siens, l’adulte n’en sort pas grandi. Infidèle, violent, rigide, il pousse sa progéniture à respecter une morale très stricte. Et si une éducation réactionnaire, impitoyable, pouvait conduire aux pires excès ? Le cinéaste ne donne pas le coupable au spectateur mais conclut son œuvre sur l’assassinat de l’archiduc François-Ferdinand, qui déclencha le premier conflit mondial. Une causalité qui dérange mais dont la maîtrise filmique, inventive et dénouée de voyeurisme, force le respect.

Et si une éducation rude et puritaine avait conduit l’Allemagne vers l’extrémisme ? Une métaphore effrayante d'inventivité, servie par la froideur de sa photographie en noir et blanc.

Jonathan Blanchet - Sortir n°849 (semaine du 21/10/09)

Dujardin, cow-boy fringant

2009-10-07T04:43:00.000-07:00

Dujardin, cow-boy fringant

Il aura au moins fallu soixante-quinze albums pour que Lucky Luke se lance d'un galop ferme et décidé à l'assaut du grand écran. La tentative de Terrence Hill dans les années quatre vingt-dix et l'épisode des Daltons par Eric et Ramzy sont loin derrière. On remet les compteurs à zéro et c'est Jean Dujardin qui chausse les santiags. Un choix qui le vaut bien, rapport à la classe et la nonchalance du personnage. Derrière la caméra, on retrouve James Huth, le gaillard qui avait déjà dirigé « Loulou » dans Brice de Nice. Entre le blond peroxydé imbu de lui-même et le garant des libertés de l'Ouest, on ne joue pas du même calibre. Dujardin devra donc abandonner ses vannes fétiches le temps d'un film. Même si Bruno Salomone, compagnon des "Nous C nous" se colle le rôle du cheval en prêtant sa voix au fidèle Jolly Jumper. Sur le papier, l'aventure semble prétexte à dérouler le tapis rouge aux mines patibulaires de l'Ouest qui écument les albums depuis 1946 : Jesse James, Billy the Kid, Calamity Jane... Manquent les daltons mais les producteurs l'ont bien compris : mieux vaut ne pas griller toutes ses cartouches d'un coup. Sortie le 21 octobre.
Photo : UGC

J.Blanchet -100% Vosges

Thirst, ceci est mon sang : la critique

2009-09-30T04:16:00.000-07:00

Sa trilogie sur la vengeance achevée, Park Chan Wook revient avec une histoire de vampire très attendue. Sang-hyun, jeune prêtre respecté et respectable se porte volontaire pour expérimenter un vaccin en Afrique. L'effet est dévastateur. Comme tous les autres cobayes, l’homme d’église est laissé pour mort. Mais une mystérieuse transfusion sanguine le ramène à la vie. Sang-hyun retourne alors dans son village natal et retrouve une amie d'enfance qui ne le laisse pas indifférent. Il se découvre de nouveaux besoins que sa morale réprime. Incapable de résister à ses pulsions, il est consumé par le doute.

Le cinéma de Park Chan Wook, c’est souvent l’affaire d’un savant mélange éthéré, brutal et insolite. Thirst n'est pas à la hauteur de la fresque horrifique auquelle on pouvait s'attendre. Devant la richesse de son sujet, le réalisateur a du mal à canaliser ses idées. A la croisée de la violence de Old Boy et du bucolisme de Je suis un Cyborg, Thirst démarre pourtant sous les meilleures auspices. Poétique, érotique et sanglant, la première heure s’attarde sur le jeu dangereux du prêtre à crocs et de sa victime, pas si innocente. La densité des personnages pose la question du célibat des prêtres et des pulsions susceptibles de les assaillir comme de simples hommes. Malheureusement, sans pour autant creuser plus loin dans la transgression. Incapable d'équilibrer son récit, le cinéaste coréen déroute dans le dernier tiers de l'histoire, devenue trop extravagante. La vraie nature du prêtre à peine dévoilée au grand jour, le récit sombre dans la farce sanguinolente, jusqu’à en devenir agaçante.

Jonathan Blanchet pour Sortir

Rencontre avec un prophète

2009-08-19T04:31:00.000-07:00

Révélation du Festival de Cannes 2009, Tahar Rahim campe dans Un prophète de Jacques Audiard, un détenu parti de rien. Illettré, méprisé, il va se construire derrière les barreaux et gagner la confiance de prisonniers corses pour mieux les doubler. Exceptionnel.

Sortir : Vous foulez les marches de Cannes pour la première fois et c'est un succès. Comment avez-vous vécu ce moment ?
Tahar Rahim : Mes potes n'arrêtaient pas de me dire d'aller à Cannes les autres années pour me vendre, mais moi ce n'était pas mon monde. D'y aller cette année avec un Audiard, cétait un rêve, j'étais sur orbite. C'est un peu comme si on était entré dans une autre dimension ! Dans ma tête, c'était le bonheur. Je n'ai rien compris à ce qui s'est passé après la projection, toute cette grande salle pleine à craquer qui témoigne son bonheur, c'était incroyable.

Sortir : Comment s'est passée votre rencontre avec Jacques Audiard ?
T.R : La première fois que j'ai vu Jacques, c'était sur le tournage de la série La commune (diffusé sur Canal Plus, NDLR) avec Philippe Tribois. C'était un ami à lui et il est passé le voir sur le plateau. En revenant du tournage, on s'est retrouvé par hasard dans la même voiture. Je savais plus où j'étais ! Depuis Sur mes lèvres, je n'avais qu'une envie, c'était de travailler avec ce mec. J'ai fait sept-huit essais sur trois mois pour Un prophète avant de décrocher le rôle.

Sortir : La complexité et l'ambiguïté du personnage ne vous ont-elles pas effrayé à la lecture du scénario ?
T.R : J'ai commencé à flipper pendant le tournage. C'était un gros truc, il fallait assurer. Au début, je bloquais beaucoup, j'avais du mal à faire péter le cadenas. On a parlé avec Jacques : du personnage, du film, de tout. J'ai commencé à me détendre.

Sortir : Comment avez vous préparé ce rôle particulier ?
T.R : J'ai étudié plein de films, de documentaires et je me suis rendu compte qu'il ne fallait pas du tout passer par là. Parce que Malik entre en prison et ne connait rien, il fallait que ce soit mon cas. Je devais arriver vierge du personnage. Je me suis fais passer pour un SDF dans Paris. C'est une société parallèle : le premier te propose un verre, le deuxième te regarde violemment comme quelqu'un qui empiète sur son territoire. Le soir, je suis allé au cinéma pour voir la réaction des spectateurs. Pour eux, tu n' existes pas.

Sortir : Quel genre de metteur en scène était Audiard sur le tournage ?
T.R : Avec Jacques, il y a toujours cette contrainte de direction, mais il y a de l'espace, il vous laisse improviser, habiter le personnage du moment qu'on garde le sens de la scène. C'est difficile mais jouissif.

Sortir : Quand votre personnage entre en prison, le spectateur ne connait rien de sa vie d'avant. Avez-vous été aiguillé sur son passé ou avez-vous dû en imaginer un pour justifier ses actes ?
T.R : Sur papier, le passé du personnage n'existait pas. Le réalisateur a certainement son idée, j'ai eu la mienne mais je l'ai abandonnée. Se dire que c'est un sans-abri donne un éventail énorme de possibilités et suffisait pour le rôle. Il a fallu que je crois complètement au personnage, et à un moment, ça en devient perturbant. Sorti du tournage, je n'avais pas conscience de cette situation d'enfermement. J'étais limite agoraphobe, je ne supportais pas la foule, je ne pouvais pas boire un verre avec des potes ! J'ai mis deux mois à me défaire du personnage.

Sortir : A Cannes, Audiard a présenté ce film comme le parcours d'« un garçon qui doit tout à la prison » en précisant qu'il ne pensait « pas que ce soit un cas isolé »...
T.R : Je n'ai pas envie de dire que la prison apporte aux gens, c'est vraiment un endroit horrible. Mais ça peut les changer, ils font un choix de vie. J'ai connu un mec qui avait fait de la taule. La peur d'y retourner l'a poussé à construire quelque chose. Il ne parle pas beaucoup avec les autres et a du mal à se fondre dans un groupe. D'autres en sortent et y retournent. J'en connais même qui sont mieux là-bas. Dehors, les mecs sont perdus, n'ont pas de vie sociale. Alors qu'en prison, il y a des codes. Ils se sentent exister.

Sortir : Le titre du film reste très énigmatique. Un prophète, mais de quoi ?
T.R : Jacques voulait jouer sur l'ironie. Il n'y a pas de dimension messianique, je n'y vois rien de religieux. Le titre annonce un nouveau type de criminel, qui s'est construit en partant de rien.

Sortir : A l'intérieur, La commune, Un Prophète : jusqu'ici vous ne versez pas franchement dans la comédie...
T.R : Je ne me sens pas encore prêt à faire rire les gens au cinéma, c'est très difficile. Mais j'imagine ce métier comme un pays à découvrir, je n'en suis encore qu'au début. J'ai toujours aimé le cinéma de genre : je pense qu'il permet de rendre crédible une autre réalité. Et c'est vrai que les personnages sombres m'attirent même si je n'ai aucun point commun avec eux. Ils sont complexes et intéressants. Et visiblement, ces rôles me correspondent puisque j'ai passé beaucoup d'essais et ce sont les seuls pour lesquels j'ai été retenu.

Sortir : Comptez-vous renouveler l'expérience du théâtre ("Libres sont les papillons") ?
T.R : Je ne suis pas encore tombé sur quelque chose qui me fait vibrer. Quand je joue une pièce, il faut que j'y mette toutes mes tripes. La scène m'impressionne plus que la caméra.

Sortir : Vous êtes-vous déjà remis au travail ?
T.R : Avec le réalisateur de Tahar, l'étudiant (docu-fiction dont il est le héros, NDLR), Cyril Mennegun, nous bossons sur une idée de film autour de la schizophrénie. Le personnage principal est libre mais s'enferme tout seul au fur et à mesure. Il n'est pas question d'effets spéciaux, mais de parler des malades qu'on ne voit pas, de ceux que l'on n'interne pas, et qui sont rejetés de partout. J'aime explorer des personnages différents. J'aime explorer l'humain.

Propos recueillis par Jonathan Blanchet. Photo : Charlotte Clidi

Brüno : la critique

2009-07-23T02:13:00.000-07:00

On se souvient de Borat, ce journaliste kazakh antisémite et misogyne qui sillonnait les Etats-Unis pour y prendre des exemples de savoir vivre pour le compte de son pays. Dans le costume du mariole se cachait l'acteur Sacha Baron Cohen, réputé pour coller au plus près de ses personnages dans toutes les situations, même lorsqu'il fait la promotion de ses films à l'étranger. L'intrigue, prétexte à déployer de nombreuses caméras cachées, dénonçait derrière l'humour gras, un racisme parfois bien marqué dans l'Amérique profonde. Cette fois, il troque la moustache pour le string et la démarche chaloupée d'un présentateur gay autrichien fashionista jusqu'au bout des ongles.

Brüno, c'est le nom de son personnage, écume les Fashion weeks du monde entier pour son show télé (fictif, évidemment) jusqu'à ce qu'une gaffe de trop le déclare persona non grata aux yeux du gotha de la mode. Il décide alors de partir pour Los Angeles afin d'y trouver les contacts nécessaires pour devenir « la première célébrité autrichienne gay depuis Schwarzenegger ». Même recette et même principe de ce qui faisait le sel de Borat. L'humoriste a désormais dans sa ligne de mire l'homophobie et le star system hollywoodien. L'effet de surprise est passé, se renouveler paraît difficile mais il faut croire qu'impossible ne veut pas dire Brüno. Petit florilège d'une farce pas si innocente. On passe ici d'une réunion au sommet organisée entre israéliens et palestiniens avec Brüno comme médiateur (!) à ce casting où une mère de famille accepte le plus sérieusement du monde de déguiser son jeune enfant en nazi pour une séance photo ! La liste est longue et il serait criminel de la gâcher. Inévitablement, certains tiqueront, Brüno tape sans surprise largement en dessous de la ceinture. La force de Brüno vient de l'audace de son auteur qui campe ses personnages sans jamais se dérider dans les situations les plus improbables. La société n'en sortira pas grandie, la prise de conscience de ses dérives est, elle, bien réelle.

Borat en mettait déjà plein la vue, Brüno a définitivement fait tomber les limites du politiquement correct. Un humour déconcertant à ne pas mettre devant tous les yeux.

Jonathan Blanchet

Paru sur Sortir.eu

Transformers - La revanche : la critique

2009-06-19T09:28:00.000-07:00

Comme chaque année, été rime avec blockbuster copieusement garni en effets spéciaux. Fidèle au poste, Michael Bay (Armageddon, Pearl Harbor) ouvre le bal avec un deuxième volet de Transformers, où des robots géants s'en mettent plein la tronche pendant deux heures. Inspiré de jouets nippons, un premier passage sur grand écran en 2007 avait ravi les amateurs qui n'attendaient que ça devant l'évolution constante des effets visuels. Pour ceux qui auraient raté le début, il y a les bons Transformers et les mauvais, respectivement nommés Autobots et Decepticons. Les premiers se sont promis de faire régner la justice et de stopper les seconds, avides de destruction. Il y a deux ans, les Decepticons étaient défaits grâce à l'aide un adolescent un peu looser sur les bords et qui finissait, - c'est la magie hollywoodienne -, à sortir avec la fille de ses rêves. Merci pour lui. Cette fois, Sam Witwicky (Shia LaBeouf) part à la Fac découvrir les joies des cours en amphi et des soirées étudiantes. Mais les ennuis ne sont jamais bien loin...

Il fallait bien un prétexte pour relancer la machine. Comme prévu, le scénario ne casse pas des briques, mais à l'image c'est tout le contraire. Ça explose de partout et Bay exploite ce plaisir coupable jusqu'à plus soif. Le réal' en roue libre dépasse les limites du déjà vu en matière d'effets spéciaux. Bonne nouvelle, la caméra n'a plus la bougeotte et si les ralentis sont toujours (trop) présents, elle prend enfin le temps de se poser. Les amateurs seront ravis d'admirer des mastodontes tout de métal vêtus se dérouiller dans des décors dantesques. A l'image de la dernière scène de bravoure, qui dépasse la demi-heure au beau milieu des pyramides d'Égypte. Ce n'est pas du cinéma, c'est un manège à sensations. Attachez vos ceintures.

Transformers 2 met la barre plus haut mais ne change pas la recette. Un maximum d'effets spéciaux et tant pis pour le scénario. Vous voilà prévenus.

Jonathan Blanchet / Sortir

Looking for Eric : la critique

2009-05-27T04:36:00.000-07:00

Ce n'est pas la première fois qu'un footballeur investit le terrain du cinéma. Il y eut Ginola, plus récemment Zidane et son fameux « portrait du 21ème siècle » filmé par une nuée de caméras... L'an dernier, déjà présenté à Cannes, Maradona foulait le tapis rouge pour le film de Kusturica. Mais cette fois, le héros du film n’est pas celui qu’on croit. Le Eric du titre, c’est bien sûr Eric Cantona, footballeur. Mais c'est aussi Eric Bishop, père de famille divorcé qui élève seul ses deux fils . Il se morfond dans son quotidien de postier. A moins qu’il ne retrouve le frisson des victoires de son idole, Eric Cantona. Se remémorant les succès du « King Eric » et tirant un peu trop sur les pétards de son fils, il s’imagine reprendre goût à la vie avec lui.

La force du film de Ken Loach, moins politique que dans ses précédents films, c'est cet intérêt pour le parcours d'un postier de banlieue, au bout du rouleau qui se rêve dans les succès de son idole. Il évite ainsi de tomber dans la biographie à la brosse à reluire. Et il y a Cantona, qui apparaît comme un sauveur, au bon moment et qui sait s'effacer à temps. Il s’oublie dans la deuxième partie du film, même si son nom n'est jamais loin. Et joue admirablement la carte de l’autodérision. Les amateurs retrouveront avec plaisir les fameux aphorismes qui forgèrent l'image du footballeur au sang chaud... Et même quelques trouvailles du réalisateur anglais. « Celui qui anticipe tous les dangers ne prendra jamais la mer » déclame Cantona dans un élan inspiré. Looking for Eric, une catharsis pour Eric le postier, la renaissance d’Eric le footballeur, devenu acteur. Après tout, n'est-il pas un homme mais Cantona ? Une palme manquée pour Ken Loach et son acteur, formidable Steve Evets.

Jonathan Blanchet / Sortir

Vengeance : la critique

2009-05-20T04:02:00.000-07:00

Le rocker préféré des français métamorphosé en tueur à gages devant la caméra d’un célèbre cinéaste hongkongais ? Pourquoi pas se dit-on à l’ouverture de la projection. Le chanteur, que l’on n’avait pas vu au cinéma depuis Jean-Philippe, campe un cuisinier reconverti en tueur après le meurtre de sa famille. Flanqué d’un trio de tueurs chinois qu’il a engagé pour retrouver les coupables, il sème les balles et les corps derrière lui jusqu’à atteindre l’homme qui a commandité l’assassinat. Mais Costello a une faille : une balle logée dans son crâne avance inexorablement et menace à chaque instant de lui faire perdre la mémoire…

Du sang, de la poudre et des duels mano a mano au soleil couchant. Voilà la marque du cinéma de Johnnie To qu’il transcende dans Vengeance. Voulu comme un libre remake du Samouraï de Jean-Pierre Melville, To a fait de son film un véritable western des temps modernes. Ca flingue en pleine éclipse de lune, les vautours survolent un champ de bataille encore fumant, les bottes de foin roulant dans la poussière sont remplacées par des blocs de déchets, derrière lesquels se planquent les assaillants dans une scène apocalyptique... Mais il y a un hic qui fait désordre : le défaut majeur du film c’est l’interprète, censé le porter par son charisme. Johnny, figé dans l’ambre d’une pose photographique, le regard acéré débite des syllabes au compte goutte et sans conviction. Conséquence, les répliques se veulent déjà cultes mais tombent à plat. Dommage, le film ne manquait pas de bonnes idées.

Entre deux eaux, Vengeance est sauvé du naufrage par la mise en scène picturale de Johnnie To, mais plombé par les expressions minérales de Johnny.

Jonathan Blanchet / Sortir

Star Trek : la critique

2009-05-06T01:25:00.000-07:00

Lost in space

Star Trek
Film américain de J.J Abrams avec Chris Pine, Zachary Quinto, Eric Bana Durée 2h08

Au cours d'une mission, l'un des fleurons de la Starfleet est détruit par un vaisseau inconnu, l'équipage ne devant sa survie qu'au sang-froid de son capitaine. Vingt ans plus tard, James Tiberius Kirk, fils de ce dernier écume les bars de la Terre... jusqu'à ce qu'il finisse par intégrer à son tour la Starfleet. À l'issue de sa formation, il se frotte à un certain Spock, un officier mi-homme, mi-vulcain, qui ne tolère guère les insubordinations du jeune homme. Les deux devront pourtant mettre de côté leurs différences et s'unir contre une menace imminente : un vaisseau hostile, coupable de la destruction de nombreux appareils de la Starfleet.

C'est en substance le message de la franchise Star Trek, moins connue en France que sa rivale Star Wars. Et pourtant. La série, créée en 1966 ne compte plus ses dérivés et vient de passer la barre des onze adaptations cinéma. Aux commandes du joujou sur grand écran, J.J Abrams, nabab de la fiction TV en créateur respecté des séries Lost ou Alias. Peu avant le tournage, il avait confessé n'avoir jamais été un grand admirateur de Star Trek. C'est donc à un vaste space opera à la Star Wars qu'il fallait s'attendre. Seulement Star Trek onzième du nom donc, ne tient pas la comparaison. C'est beau, certes, mais prévisible. Visuellement, la mise en scène ne permet pas de retrouver le frisson d'une bataille spatiale sous tension : la caméra agitée d'Abrams ne suffit pas à transporter le spectateur. Le salut, s'il en est, vient de l'histoire. Une pirouette scénaristique plus loin, Abrams réussit à inscrire son film dans la continuité des précédents. Voilà qui risque de faire débat dans la communauté des trekkies (comme se surnomment les fans de la série) mais qui ne décrédibilise pas le film pour autant. Bien moins en tout cas bqu’un humour potache en décalage avec l’univers. On peut avoir de grandes oreilles et rester sérieux.

Jonathan Blanchet

Originale, l’intrigue de ce nouveau Star Trek devrait contenter les fans et peut-être même quelques néophytes. Mais la caméra d’Abrams semble bien perdue dans l’immensité de la galaxie.

Paru dans Sortir n°830 du 6 mai 2009

Coco avant Chanel : la critique

2009-04-18T07:41:00.000-07:00

Chanel n°2. Après le téléfilm avec Shirley MacLane et avant le film de Jan Kounen où la créatrice retorse contera fleurette au compositeur russe Stravinski, voici Coco avant Chanel par Anne Fontaine et avec Audrey Tautou. Un portrait particulier, consacré à la naissance de la vocation de la jeune femme. Quand elle quitte le beuglant où elle se produisait pour vivre au crochet d’un noble, Etienne Balsan. Partagée entre son protecteur et son premier amour,Boy Capel, Chanel l’ambitieuse saura tirer parti des deux hommes pour se faire un nom en société. Une situation qui va finalement révéler son génie créatif.

De ce fait, Anne Fontaine, qui a fait du triangle amoureux une marque presque indissociable de sa mise en scène, ne pouvait que s’intéresser aux années déterminantes dans la vie de Gabrielle Chanel, alias Coco. Délibérément, elle scrute la psychologie du personnage et s'y tient pendant près de deux heures. Une entorse bienvenue à la mode des biopics cantonnés bien souvent à la success story raccoleuse. Malgré le gigantisme d'un projet à l'américaine, Anne Fontaine ne fait pas d'infidélités à sa filmographie. Coco avant Chanel est un film sobre, profond et dépouillé de tout artifice. Pour incarner la créatrice, Audrey Tautou, sapée à la garçonne, cigarette au coin des lèvres, semble bien déterminée à casser son image de femme fragile, le jeu sec en plus. Pourtant, elle ne parvient pas à s’imposer. A l’image, ce sont les hommes qui volent la vedette aux femmes, à LA femme. Alessandro Nivola, le premier amour, énigmatique et magnétique. Mais surtout Benoît Poelvoorde, génial dandy cabotin, tour à tour émouvant et électron libre. Où sont les femmes ? « Ma vie, c’est le drame de la femme seule » disait Chanel.

Icône de la mode à la mode, le portrait de Chanel adapté par Anne Fontaine séduit par l’approche psychologique de la réalisatrice. Mais Audrey Tautou peine à s’imposer devant l’ampleur des rôles masculins.

Jonathan Blanchet
Paru dans Sortir n°828 du 22 avril 2009.
(c) photographiques : Warner Bros.

Isabelle Huppert : " A l'écran, mon personnage ne m'appartient plus "

2009-04-07T05:09:00.000-07:00

Dans Villa Amalia, Isabelle Huppert incarne une femme en perte de repères qui quitte tout pour recommencer ailleurs. Un rôle où le jeu n'est pas perceptible, tant les correspondances avec sa vie d'actrice sont troublantes. L'occasion de mieux cerner celle qui présidera au 62ème festival de Cannes.

Sortir : Dans Villa Amalia, vous incarnez à nouveau une pianiste ?
Isabelle Huppert : C'est différent. Dans La pianiste, c'est l'idée qu'un sentiment amoureux ne pourra jamais égaler la perfection de la musique. Dans Villa Amalia, elle se sépare de sa vie matérielle, se retrouve comme au bord d'un gouffre. C'est la fuite ou la mort. Elle veut fabriquer sa propre vie. Elle ne trouve pas la réponse en elle, mais dans le monde autour. Le point commun entre les deux films, c'est la musique, c'est l'expression ultime de l'émotion.

Sortir : Et vous, quels points communs avez-vous avec vos personnages ?
I.Huppert : Des personnages sont plus extériorisés que moi, d'autres tiennent plus de l'expression d'un fantasme, d'une intimité. Ils ne sont pas tout à fait comparables. Ceux qui tiennent plus de la confession trouvent une raisonnance des uns avec les autres. Je me sens proche de ce personnage car son expression est proche de moi. L'écart entre ce que je suis et ce qu'elle exprime est extrêment mince. C'est possible dans les films qui tournent de manière extrêmement complète autour de soi, qui s'enroulent autour du personnage.

Sortir : Le personnage cherche à « éteindre sa vie d'avant». C'est aussi, au fond, une manière d'appréhender un rôle ?
I. Huppert : On peut souvent prendre les grands rôles comme des métaphores de la condition de l'actrice. Souvent elle change de nom, de visage... Le film raconte bien cette dimension constitutive de la nature humaine, qui consiste souvent à rêver d'un ailleurs. On supporte la vie, parce qu'on a un ailleurs. En tant que comédienne, on peut aussi vouloir sortir de certains rôles. Il y a une sorte de correspondance entre le mouvement du personnage et le mouvement de l'actrice. Mais quand je joue un rôle, c'est pour m'en débarasser. Dès que le personnage apparaît à l'écran, il ne m'appartient plus.

Sortir : C'est aussi pour cela que vous êtes à l'aise avec des personnages un peu « torturés » ?
I. Huppert : Partant de ce principe mécanique, je suis à l'aise avec n'importe quel personnage.

Sortir : Mettre en scène, c'est quelque chose qui vous attire ?
I. Huppert : Pas du tout, et en même temps, on me le demande tout le temps ! Diriger, c' est vraiment un changement de statut, c'est passer de l'enfance à l'âge adulte. Quand on est acteur, on est quand même dans un espace qui n'a rien à voir.

Sortir : C'est pourtant un peu ce que vous devrez faire à Cannes...
I. Huppert : J'ai déjà été jury à Cannes. A ce propos, je suis en train de lire le livre de Gilles Jacob (La vie passera comme un rêve, Robert Laffont). Mais je ne dirai pas ce qu'il faut faire. Chacun sa méthode.

Propos recueillis pour Sortir par Jonathan Blanchet
(c) photographiques : Europacorp

Villa Amalia : la critique

2009-04-07T05:00:00.000-07:00

Anne ou Elianne, elle ne sait plus qui elle est. La cinquantaine, elle déboule dans la rue, comme un animal apeuré. Son mari la trompe, c’est fini. Ce soir là, par hasard, elle rencontre Georges, une veille connaissance. Un catalyseur qui la bouleverse au plus au point. Du jour au lendemain, elle plaque tout, prenant bien soin de faire disparaître tous les recoins de son existence. Même sa carrière florissante de pianiste. Mais pour qui, pour quoi ?

Fragile, diaphane, Isabelle Huppert saisit son personnage sur le vif. Une interprétation réglée comme du papier à musique. D’emblée, la mise en scène et la partition musicale (écrite par Bruno Coulais avant le tournage) entretiennent l’atmosphère pesante, vécue par l’héroïne. Un personnage qu’elle veut mettre en avant, au milieu de toutes ces femmes qu’elle a incarnées, « la plus proche de ses expressions ». Ce personnage, elle l’a interprété « avec facilité » dit-elle. Benoît Jacquot, qui fait tourner l’actrice pour la cinquième fois ne voyait personne d’autre pour le rôle. « Sinon, le film ne se serait pas fait ». Le duo explore toute la dualité du personnage, dans ses réactions infantiles et ses sautes d’humeur, avec complicité. Le film, adaptation d’un roman de Pascal Quignard, porte la marque de Benoît Jacquot, ses séquences courtes et coupées brutalement, ses caméras subjectives… qui déroutent mais passionnent. Comment dirige t-on Isabelle Huppert après cinq films ensemble ? « On ne la dirige pas. La direction d’acteur, c’est un artifice » lâche Jacquot. La comédienne, qui présidera au 62ème festival de Cannes en mai l’avoue comme une évidence : « si je joue, c’est pour mieux me séparer d’un personnage ». Un rôle authentique… jusqu’au prochain.

Isabelle Huppert retrouve Benoît Jacquot dans un drame qui embrasse toutes les émotions. Son personnage déroute. Experte en la matière, l’actrice, elle, captive.

Jonathan Blanchet
(c) photographiques : Europacorp

Fast & Furious 4 : la critique

2009-04-06T05:46:00.000-07:00

Amoureux des voitures dopées et relookées flashy, ce film est pour vous. Si les deux précédents volets avaient déçu les amateurs, celui là risque tout bonnement de plaire aux aficionados. Et pour cause : Vin Diesel, héros du premier opus remonte en selle après avoir tâté le terrain à la toute fin du précédent, délocalisé à Tokyo. Il revient donc, Dom Torreto, le trafiquant en cavale qui se retrouve « forcé » (faut pas pousser, on ne nous la fait plus) de sortir du garage et retrouve pour l'occasion son pote flic, le beau-gosse Brian O'Conner (Paul Walker, pour les intimes).

On veut donc revenir aux fondamentaux et on nous ressert tout le casting original. En clair, si vous n'avez pas vu les deux et trois, ce n'est pas bien grave, côté scénario, c'est comme si c'était hier. De toute façon, la recette reste la même : des voitures, des filles et des mâles débordant de testostérone. Plus une sombre histoire de vengeance que l'on laisse découvrir aux plus mordus d'entre vous. Sur le bitume, rien de nouveau, à part peut-être les voitures elles-mêmes. La réalisation du film tient toujours du clip à rallonge, et à trop vouloir en faire, les scènes d'action ne tiennent même plus la route (voir la scène du camion-citerne qui se trouve dans la bande-annonce). Vin Diesel n'a rien perdu de sa verve machiste dont les « répliques » pleuvent toutes les millisecondes. La preuve lors d'un dialogue qui oppose notre tête brûlée à une conquête potentielle. « Et toi, tu préfères les filles ou ta voiture ? ». Réponse du caïd : « J'aime toutes les carrosseries ». Mouais...

Macho, musclé et bien véhiculé, Fast & Furious ne change pas ses habitudes. A fuir, sauf si vous vous retrouvez dans au moins une de ces trois catégories.

Jonathan Blanchet
(c) photographiques : Universal

Monstres contre Aliens : la critique

2009-04-01T08:57:00.000-07:00

C’est le grand jour pour Susan qui va épouser Derek, vedette d’une émission météo. C’est aussi le moment qu’a choisi une météorite pour s’écraser sur la Terre, à un cheveu de la jeune mariée. Les effets secondaires ne se font pas attendre. Devenue gigantesque, elle est capturée par une section spéciale de l’armée. Sa spécialité ? Conserver dans sa base secrète des « monstres » à l’abri des regards. Ceux là ne sont pas bien méchants, mais un peu frappés quand même. Susan n’a pas vraiment le temps de se poser des questions sur ses nouveaux amis, des extra-terrestres vont bientôt envahir les Etats-Unis (sic !). Le président n’a qu’une solution : envoyer la dream team de monstres à la rescousse !

D’abord truculent, Monstres contre Aliens revient aux fondamentaux des studios Dreamworks (les papas de Shrek). Les hommages et clins d’oeils plairont aux plus grands sans pénaliser le jeune public. Cette fois, ce sont les serials d’épouvante et les blockbusters qui sont passés à la moulinette. Mais passé les présentations, l’action monopolise l’écran. Un prétexte pour en mettre plein les mirettes. Après Disney et son Volt, c’est au tour de l’écurie adverse de penser son film pour la 3D. C’est la grande fierté du studio qui compte utiliser le procédé pour chacun de ses futurs long-métrages. Si votre salle accepte les précieuses lunettes, vous êtes vernis. Sinon, il faudra vous contenter d’une diffusion en technicolor. Mais rassurez-vous : le manège géant, ce n’est pas encore pour tout de suite. Pas de quoi sauter au plafond devant un monstre qui tente désespérément d’opérer une razzia sur vos pops corns. Après tout, ce n’est (que) du cinéma.

Quand les extra-terrestres attaquent pour la énième fois les Etats-Unis, c’est dans un film d’animation qui récupère habilement tous les clichés du genre. Malheureusement la mécanique s’essouffle au profit d’une action prétexte à utiliser la 3D.

Jonathan Blanchet
(c) photographiques : Dreamworks/Paramount
(Paru dans le Sortir n°826 du 1er avril 09)

La première étoile : la critique

2009-03-25T11:13:00.000-07:00

Jean-Gabriel, père de famille de quatre enfants écume les petits boulots à Créteil. De son côté, sa femme s'épuise en ménages de nuit. Mais à peine sa journée terminée, Jean Gab' dilapide l'argent gagné au PMU du coin. Alors forcément, quand il propose sur un coup de tête, un séjour au ski pour en mettre plein les yeux à ses enfants dépités, des claques se perdent. Seul point noir : aux yeux de son épouse, une promesse est une promesse. S'il ne la tient pas, elle pliera bagage. Jean-Gabriel va devoir casser la tirelire...

Pour son premier film, Lucien Jean-Baptiste joue sur les stéréotypes noirs/blancs. Mais il s'en défend, il a voulu rendre ce film « universel, en bousculant tous ces clichés ». On n'échappera pas aux jeux de mots inévitables : Les bronzés font du ski, « pistes noires »... Tout y passe ! Oui, mais mieux vaut se dépêcher de les sortir pour passer à autre chose. Outre l'ostracisme, le réalisateur qui parle à 200% de souvenirs qu'il a vécus (et il y en a des situations cocasses), s'attache à décrire le quotidien d'une famille qui ne roule pas sur l'or mais a les yeux remplis de rêves. Une pellicule pleine de bons sentiments, mais qui touchera sans doute par la sincérité du jeu de Firmine Richard et l'universalité du propos, comme Bienvenue chez les ch'tis en son temps. Hasard troublant, les deux films ont été primés à une année de différence au respecté festival de la comédie de l'Alpes-d'Huez. La première étoile a même eu droit à deux récompenses. Comme le film de Dany Boon, il risque de partager ses spectateurs.

S'inspirant de son propre vécu, Lucien Jean-Baptiste signe une comédie dramatique prompte à rassembler les spectateurs, puisqu'une histoire comme ça, « ça vous parle ». Si ce n'est pas le cas, la justesse du jeu de Firmine Richard fera quand même pencher la balance...

Jonathan Blanchet

(c) photographiques : Mars Distribution

Volt : la critique

2009-02-04T11:17:00.000-08:00

Volt est un super-chien. Le fleuron de la CIA canine. Avec sa jeune coéquipière Penny, il déjoue les plus grands complots interplanétaires avec ses super-pouvoirs. Vision laser, vitesse de l'éclair et aboiement à tout déboulonner sur son passage. Mais Volt, coqueluche des animaux de tous poils ignore qu'il vit à Hollywood et qu'il est la vedette d'un sitcom à succès. Quand un épisode met en scène le kidnapping de Penny, il s'échappe du studio pour la récupérer.

C'est une surprise. Ce n'est évidemment pas la première incursion de Disney dans l'animation en images de synthèse, mais c'est sa réalisation la plus aboutie qui ne soit pas directement labellisée Pixar (Wall•E). Evidemment, question originalité, il y a mieux : ce n'est pas la première fois qu'on nous fait le coup du héros en quête d'identité. Un poil arrogant, le chien s'aperçoit n'avoir aucune emprise sur ce monde qu'il ne connait pas. Un coup à sa virilité plus tard, il ne va pas se débiner pour autant, flanqué de deux acolytes typés (le chat blasé et le rongeur farfelu) dans la plus pure tradition « disneyienne ». Les plus jeunes vont forcément se prendre d'affection pour cette boule de poils à qui rien ne résiste... Ou presque. Cerise sur le gâteau, le film est projeté en 3D dans certaines salles. Des images impeccables, même si la scène d'ouverture, concentré de films d'actions de haute voltige, prend toute sa dimension pour peu que votre salle autorise les fameux binocles. On en oublierait presque la traditionnelle chanson fidèle à tous les Disney qui manque ici d'un peu de peps ... Ou peut-être a t-on trop vieilli ?

Sympathique virée animée avec acolytes à poils qui le sont tout autant. Les tout-petits risquent d'avoir malgré tout du mal à comprendre les retournements de situation successifs. Petit plus : certaines salles projettent le film en 3D, lunettes comprises.

Jonathan Blanchet
(c) photographiques : Disney
Paru dans le le numéro de Sortir du 04/02/09

Quantum of Solace : la critique

2008-10-29T10:49:00.000-07:00

Allez dire à James Bond que la vengeance est un plat qui se mange froid ! On l'avait quitté alors qu'il venait de mettre la main sur un homme impliqué dans la mort de Vesper, sa maîtresse dans Casino Royale. Ce précédent opus était aussi une première pour Daniel Craig dans le costard de l'espion. Moins d'une heure après, l'agent secret de sa majesté roule à toute berzingue, poursuivi par un détachement de voitures et autant de mitrailleuses. Avide de retrouver les responsables de la mort de sa belle, il est loin d'imaginer la complexité de l'organisation qu'il s'apprête à affronter. Sur le chemin de la rédemption, il croise celui de Dominic Greene, grand manitou d'une ONG environnementale qui fraie avec les grands dirigeants mondiaux sous couvert de sa mainmise sur les ressources naturelles.

Si vous espériez obtenir toutes les réponses aux questions laissées en suspens dans Casino Royale, c'est peine perdue. Après une heure quarante et des broutilles de film, il devient clair que les scénaristes n'envisagent pas vraiment de mettre leur personnage au placard. A la manière de la saga de Jason Bourne (La mémoire dans la peau et ses suites), il a, à sa manière, largement redéfini les standards du film d'action-espionnage moderne. Le film se dévoile comme l'épisode de transition d'un scénario plus ample. Plus déboussolé qu'il ne le laissait paraître à la fin du précédent, James Bond laisse éclater sa rage, par l'entremise d'un Daniel Craig marmoréen, mais au fond dépassé par sa fonction de double zéro. Mathieu Amalric qui endosse celui du méchant lui ressemble : calme en surface, il cache quant à lui un grain de folie révélé tardivement. Lourdement garni en explosions, Quantum of Solace, -référence au réconfort que cherche Bond en pourchassant Quantum, l'organisation de Greene- perd un peu en profondeur.

L'effet de surprise en moins, la deuxième mission d'un Daniel Craig toujours impeccable, gagne en action et perd un peu en profondeur. Qu'on se rassure : la quête de vérité de ce James Bond nouveau genre est loin d'être terminée.

Jonathan Blanchet
(c) photographiques : Sony Pictures
Paru dans Sortir du 29/10/08

Mesrine - L'instinct de mort : la critique

2008-10-22T08:50:00.000-07:00

2 novembre 1979 : Jacques Mesrine est abattu par la police, Porte de Clignancourt à Paris. De l'exécution manu militari du criminel à ses premiers casses, il s'est passé vingt ans. Rentrant d'Algérie, le jeune Mesrine ne tarde pas à couper les ponts avec la société bien-pensante et une famille qu'il méprise. C'est le début d'une série de forfaits à l'issue souvent dramatique. De ses premiers braquages aux évasions rocambolesques, en passant par des exécutions sommaires, le bonhomme s'est forgé une image de salaud implacable tout en s'élevant en mythe du grand banditisme français. Cette existence controversée, librement inspirée de l'autobiographie du truand, Thomas Langmann, producteur insatiable, l'a voulu en deux films, passionné par l'homme depuis l'adolescence.

Un sujet à polémique est évidemment délicat. « Nul ne peut prétendre restituer toute la vie d'un homme » prévient le film. Derrière la caméra, Jean-François Richet (Ma 6-T va cracker) impose son regard et tant pis pour les détracteurs. Son casting y est riche et éclectique. Vincent Cassel n'a pas seulement récupéré l'embonpoint de son modèle, mais réussit à détailler intimement un homme nerveux, brutal et imprévisible. Dans sa débâcle sans fin, Mesrine a croisé la route de Jeanne, celle qui deviendra sa compagne dans les mauvais coups comme dans la vie. Cécile de France en prend les traits, méconnaissable elle aussi. Richet fait de cette dualité le sel de son film. Son Mesrine y est abject et fanfaron, en proie au doute comme coupable des pires atrocités. Une fois le portrait esquissé, la « carrière » du gangster s'enchaîne à la hâte sans détailler ses convictions et vraiment prendre le temps de se poser sur les gueules qui croisent son chemin. Espérons que le deuxième volet nous en apprendra plus.

Ni autobiographie, ni portrait horrifiant jusqu'au bout des ongles, ce Mesrine joue sur les deux tableaux. Beau parleur et intraitable, Vincent Cassel habite superbement le malfrat. Pourtant, la succession brutale des scènes empêche les caractères de s'épanouir.

Jonathan Blanchet
(c) photographiques : Pathé
(publié dans Sortir, numéro du 22 octobre 2008)

La loi et l'ordre : la critique

2008-10-08T11:05:00.000-07:00

Deux flics sur le seuil de la retraite reprennent du service quand des criminels passés au travers de l'appareil judiciaire sont retrouvés assassinés. Problème, ils sont censés avoir envoyé le meurtrier derrière les barreaux des années auparavant. Deux détectives fraîchement débarqués flairent le mauvais coup et soupçonnent un membre des forces de l'ordre. Dans le rôle des vieux briscards, on retrouve Robert de Niro et Al Pacino. Dans l'idée, deux monstres sacrés partageant l'affiche d'un thriller a, a priori, de quoi affoler le sens critique du cinéphile. C'est garanti et étalé sur toute la largeur de l'affiche : ils se donnent la réplique pour bien plus qu'une poignée de minutes. Mais devant la caméra, ils auraient dû y réfléchir à deux fois avant d'accepter l'affaire.

L'argument marketing soigneusement élaboré, quoi de plus accommodant que de ressasser les rôles qui ont jadis fait la gloire des deux interprètes ? Jon Avnet - qui avait déjà entrainé Pacino dans 88 Minutes - suit comme un gosse les archétypes qui ont marqué sa jeunesse, pour ne ranger le duo qu'au rang de faire-valoir, histoire de mieux remorquer un scénario monté à revers. Le récit, jamais avare de clichés et de lourdeurs visuelles, a de quoi déboussoler les deux vétérans qui ont parfois du mal à suivre. Jusqu'à une scène finale exploitant la nostalgie du mythe, qui nous fait prendre conscience que les années passent, bien vite. Même si la complicité s'avère bien présente : manquait un récit digne de ce nom pour faire revivre deux légendes désormais abonnées aux comédies et films de seconde zone. Aux dernières nouvelles, Robert de Niro pourrait bien enfiler sa casquette de réalisateur et inviter son pote Pacino sur un coin de pellicule. Dont acte.

À grands renforts de clichés, Jon Avnet flingue par avidité la carrière de deux acteurs qu'on ne présente plus. Trop d'effets tue l'effet.

Jonathan Blanchet
(c) photographiques : Metropolitan Film Export
Paru dans le numéro de Sortir du 08/10/08

De Niro - Pacino : "On a encore des choses à faire ensemble !"

2008-10-08T01:41:00.000-07:00

Deux flics plongés dans une enquête inextricable à New-York. Du sur mesure pour Al Pacino et Robert de Niro, qui partagent l'affiche de La loi et l'ordre, en salles cette semaine. Le second déjà engagé, le réalisateur Jon Avnet n'a eu qu'a rappeler le premier, qu'il avait déjà dirigé sur le thriller 88 Minutes. Quoi qu'on en dise, cela reste un sacré tour de force.

Sortir : Jon Avnet, en choisissant ces deux hommes, vous étiez saviez que derrière eux, il y avait des rôles très forts ?

Jon Avnet : Je pense que c'est intéressant de voir Bob et Al jouer des détectives à New-York, une ville personnage à part entière. Qui d'autre aurait pu mieux le faire : à New York et dans un film noir ? Le film permet de plonger dans ce lien amical qui rassemble les deux acteurs. Un seul regard de Bob ou de Al exprime énormément.

Sortir : Qu'est ce que cela fait de se retrouver à nouveau ensemble, à partager plus qu'une tasse de café comme dans Heat ?

Robert de Niro : C'est très agréable et très confortable de travailler avec Al. On sort d'abord tous les deux de l'actor studio (association prestigieuse d'art dramatique New Yorkaise, NDLR). Cette rencontre était totalement inattendue.

Al Pacino : Et on essayera de le refaire ! Ce n'est pas facile comme on a des emplois du temps très serrés. Il y a eu peu de fois où on était à deux doigts de faire quelque chose ensemble.
Robert de Niro : (acquiescant) On a encore beaucoup à apprendre l'un l'autre.

Sortir : Qu'est-ce qui vous a le plus marqué dans l'intrigue du film ?

Jon Avnet : Le crime du début est assez terrible. Dans les yeux des personnages de Bob et Al, on comprend le monde tel qu'ils le perçoivent. On ne peut pas rester de glace face à deux hommes complices et pourtant différents : l'un qui vit tout intérieurement et l'autre qui bouillonne en surface. Ce qui rend les serial killers interressants, c'est ce qui les rend incompréhensibles. Quand ils sont découverts, la plupart des gens disent qu'ils étaient des mecs sympas, qu'ils avaient un travail, des amis. Ce sont eux, les meilleurs acteurs du monde!

Sortir : Les années 70, c'était la bonne époque ? Désormais, le cinéma n'offre plus des Scarface ou des Raging Bull ?

Al Pacino : Je pense que vous réagissez face à la période dans laquelle vous vivez. En 70, il y avait une sorte d'explosion des films sociaux, de gangsters. C'est arrivé quand nous étions jeunes tous deux et ce fut vraiment une chance. Les choses changent. Partout, il y a des films merveilleux et peut-être qu'avec le recul, on pourra mieux juger la période d'aujourd'hui. Dans les années 70, on faisait juste des films, on ne se posait pas la question de l'impact qu'ils pouvaient avoir.

Sortir : On retrouve désormais Robert de Niro dans des rôles plus légers. Al, êtes vous tenté par l'autodérision et la comédie ?

Al Pacino : Avant on essayait de trouver d'autres rôles à Hollywood. Aujourd'hui, on ne le fait plus. Pas parce qu'on ne peut pas le faire mais parce que le public veut nous voir dans un rôle bien précis. Ce qu'on veut vraiment faire, c'est trouver un rôle qui permet clairement de s'exprimer sur le personnage que l'on joue. C'est pour cela qu'un acteur aime s'exercer sur des films indépendants.On ne veut pas se répéter, même si cela arrive parfois. Ce qu'on veut vraiment faire, c'est trouver un rôle qui nous permette d'exprimer ce qu'on ressent vis à vis du rôle. C'est ce qui nous donne envie de continuer.

Sortir : Pourquoi ne pas forcer le destin et réaliser vous-même le film qui vous réunira à nouveau ?

Robert de Niro : Michael et Kirk Douglas ont toujours voulu faire quelque chose ensemble et ils n'ont jamais vraiment réussi. On a commencé à en parler avant Heat et cinq ans sont passés. On ne va pas attendre aussi longtemps pour vraiment essayer de le faire.

Propos recueillis par Jonathan Blanchet

Paru dans Sortir du 08/10/08